Uneven Order | 2020
CARLOSCARVALHO ARTE CONTEMPORÂNEA. Lisboa, Portugal.
Patrícia Barreira
Durante o Verão de 1947, Yves Klein olhou para o céu e, contemplando a infinitude, usou-o como exemplo parapensar sobre as amplas possibilidades criativas da cor azul, declarando: “Oazul do céu é a minha primeira obra de arte”[1]. Mais tarde esclareceria: “o azul não tem dimensões; está para alémdestas, enquanto que nas outras cores não é assim. Todas as cores despertamideias associativas específicas enquanto que o azul sugere no máximo o mar e océu, e estes, afinal, são, dentro da natureza real e visível, o que é de mais abstrato”[2]. Em 1947, Klein começou a produzir peças pintadas de uma só cor, chegando às quase duzentaspeças, tendo registado a autoria do pigmento que se popularizou mais tarde comoo IKB International Klein Blue. Acreditando que a cor era energia pura, adoptouo monocromatismo porque entendia-o como um caminho para a total rejeição darepresentação na obra e, por isso, um modo de atingir um nível máximo deliberdade criativa. Portanto, aplicou o azul em esponjas coladas em tela, emperformances no corpo de modelos ou em esculturas, destacando-se as conhecidasrepresentações do globo terrestre ou da Vitória de Samotrácia.
Esta terceira exposição individual de Mónica Capucho na galeria CarlosCarvalho é composta por três núcleos distintos, agrupados por organizaçõesformais similares entre si: de um lado as pinturas de vários formatos de outroas peças de parede e as peças de chão. Mais uma vez, a palavra cria um efeitode equilíbrio desafiando o papel que a mancha e a textura de cor adquirem naobra. A artista inscreve indicações, ora tautológicas, como por exemplo em “Interconnectionof blue sequences”, ora confrontando o observador com uma suposta objectividademostrando as frases: “Peculiar, Unfaked and Honest Blue” ou “Pure, Elegant and Sincere Blue” e quase dando aoazul uma dimensão afectiva, descrevendo o objecto criado e jogando com ossignificados e desenhos das palavras.
Aparentemente objetivos e não referenciais, os trabalhos exibem um amplomostruário de texturas, brilhos, pinceladas e matizes subtis que encerram em sipróprios uma linguagem visível apenas quando detectada numa análise maisprofunda. Mónica Capucho motiva-nos a observar mais além da aparência colocandojogos de ocultação do material, usando por exemplo superfícies com resultadovisual semelhante, misturando inclusive pigmentos para o efeito, mas que sediferenciam na essência e na percepção ao toque. O espaço de decisão da artistaestá nas composições de materiais, nas texturas, e na sua articulação com osignificado ou com o desenho da palavra. A materialidade é interpretada ecompreendida em todas as suas dimensões: a artista mistura betão, madeira,pedra ou silicone, controlando os seus efeitos e a forma como se apresentam aoobservador pensando na temperatura, no brilho ou na textura, na atração oufrieza, na dureza ou na maciez da matéria.
Para Yves Klein, a adopção da cor única traz à obra um sentido dedissolução das diferenças dos materiais com vista à abstração total. Notrabalho de Mónica Capucho, pelo contrário, a opção pela prevalência da corúnica segue um caminho inverso convidando o observador a focar-se quaseexclusivamente sobre as qualidades materiais do objecto. O cinzento e brancosão cores auxiliares que agem para dar expressão ao azul porque tudo funcionaem direcção à cor única. A escolha pelo quase monocromatismo permite aoobservador ver o desenho formado pela composição dos materiais, texturas, consciencializando-opara o modo como estes afectam a nossa percepção da cor. As obras apresentamuma multiplicidade de variáveis em torno do azul seja este mate ou luminoso,com diferentes tons e intensidades analisando a sua força de amplificação parao espaço da galeria. A artista faz-nos, por isso, mergulhar no azul múltiplo,infinito e complexo e que se transforma com os diferentes materiais.
Mónica Capucho pensa também na obra enquanto objecto que funciona como parteestruturante de um todo, não descurando o seu valor singular. Apintura-instalação torna-se fisicamente activa: a artista explora propriedadesda obra no espaço analisando peso, estabilidade e densidade. Os trabalhos, deconfiguração puramente geométrica, expandem-se na visualidade da galeria, ora isolando-se em algumas instalações, orafazendo parte de um todo global. Sendo uma exposiçãosite specific, é no espaço que as obras se apresentam, pelas relações criadas entrecada uma e numa instalação que se coloca em diálogo comas linhas arquitectónicas das duas salas. A exigência no observador dapropriedade física do objecto, designadamente aescala e a presença, fá-lo assumir um papel crucial, a par da importância daobra e do espaço. A opção pelo quase monocromatismo também confere à exposiçãoessa densidade imersiva. O uso da cor predominante desmaterializa a obra,criando maior permeabilidade na sua relação com espaço de exposição. O foco,por isso, está na totalidade - a cor autonomiza-se, sai da pintura e liberta-seno vazio.
Da mesma forma que Yves Klein inventou o pigmento IKB, tornando-se umquímico em laboratório, a artista dirige o seu trabalho para a análise quaselaboratorial da percepção da cor, dos materiais e das formas em articulação como observador e com o espaço, convertendo esta exposição numa obra total comdimensão corpórea e sensitiva.
[1] Alastair Sooke - “Yves Klein: Theman who invented a colour" (28/08/14) http://www.bbc.com/culture/story/20140828-the-man-who-invented-a-colour
[2] “StudioInternational”,Vol. 186 (1973), p. 43.
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CARLOS CARVALHO ARTE CONTEMPORÂNEA. Lisboa, Portugal.
Patrícia Barreira
During the summer of 1947 Yves Klein looked at the skyand gazing at the infinitude used it as an example of thinking about thelimitless creative possibilities of the colour blue, declaring: “the blue ofthe sky is my first work of art “[1].Later he would explain “Blue has no dimensions; it goes beyond them, while thesame doesn’t happen with the other colours. All colours stir up specificassociative ideas, whereas blue suggests mostly the sea and the sky and theseare, after all, in nature that is real and visible, completely abstract”[2].In 1947 Klein started presenting works painted in one colour only, reachingalmost two hundred pieces, having registered the authorship of the pigment,which later become popular as IKB, the International Klein Blue.
Believing that colour was pure energy, he adoptedmonochromatism, for he understood it as a way of totally rejecting representationin his work: he saw it as a means to get to creative freedom. Therefore heapplied blue in sponges glued on canvas, in performances on the body of modelsor on sculptures, from which stand out the well known representations of theglobe or of the “Victory of Samothrace”.
This third solo exhibition of Mónica Capucho in thegallery Carlos Carvalho is composed of three distinctive nuclei, groupedaccording to formal similar organizations; on one hand the paintings ofdifferent sizes; on the other the wall and the floor pieces. Once more the workcreates a balance, challenging the role that both the colouring and the textureacquire in the work. The artist writes indications either tautological, as, forinstance, in “Interconnection of blue sequences” or confronting the viewer withthe supposed objectivity in sentences such as “Peculiar, unfaked and honestblue” or “Pure, elegant and sincere blue”. She is giving blue an almostaffectionate dimension, describing the work and playing with the meanings anddrawings of the words.
Apparently objective and non- referential, the worksdisplay a large show-case of textures, sparkles, brushstrokes and subtle hues,containing in themselves a language only understood in a deeper analysis.
Mónica Capucho motivates us to observe beyond theoutlook, playing hyding games, using for instance, surfaces with a similarvisual result, mixing pigments for the effect, but which are different both inessence and perception to touch.
The artist’ s decision capacity dwells in thecomposition of materials, in the textures, in their articulation with themeaning or the drawing of the word.
Materiality isinterpreted and understood in all its dimensions: the artist mixes concrete,wood, stone or silicone controlling their effects and the way in which theypresent themselves to the viewer, thinking about the temperature, the sparkleor the texture, about the attraction or coldness, the harshness or softness ofthe matter.
For Yves Klein theadoption of one only colour brings to the work a feeling of dissolution of thedifferences in various materials, leading to complete abstraction.
In Mónica Capucho’swork, on the other hand, the option of the predominance of just one colour follows a different path, inviting the viewer tofocus almost exclusively on the material qualities of the work. Gray and white workas auxiliary colours acting to give expression to blue, so that everythingworks towards one colour. The choice for the near monochromatism allows the viewerto see the drawing formed by the composition of the materials and the textures,making him conscious of the way in which these influence his perception of thecolour.
The works show amultiplicity of variables around blue, dull or shiny, with different shapes andintensities, analysing the strength of amplification in the space of thegallery. The artist makes us, therefore, plunge in the multiple, infinite andcomplex blue, altering according to different materials.
Mónica Capucho also thinks about the workas an object that functions as a structural part of a whole, not dismissing itssingular value. The painting-installation becomes physically active: the artistexplores properties of the work in space, analysing weigth, stability and density.The works in pure geometrical shapes, expand themselves through the gallery,either isolated, as is the case of some installations, or being part of awhole.
Being a “sitespecific” exhibition, it is in the space where the woks are displayed and throughthe relations created among them and each installation, that a dialogue isestablished with the architectural lines of the two rooms.
The demand on theobserver of the physical property of the object, namely the scale and thepresence, makes him play a crucial part, along with the importance of the workand the space. The option for the almost monochromatism also gives the displaythat immersive density. The use of a predominant colour dematerializes thework, creating more permeability in its relation with the display space.
Focus is, therefore,on the whole – colour becomes autonomous, gets out from the painting, freesitself in the emptiness.
In the same way asYves Klein invented the pigment IKB, becoming a chemist in a laboratory, theartist directs her work towards the analysis almost laboratorial of theperception of colour, of the materials and the forms in articulation with the viewerand the space, covering this display in a whole work with a corporeal andsensitive dimension.
[1] ) AlastairSooke - “Yves Klein: The man who invented a colour" (28/08/14 http://www.bbc.com/culture/story/20140828-the-man-who-invented-a-colour
[2] ) “Studio International”, Vol. 186 (1973), p. 43.